"Toda Latinoamérica es rica en ritmos, melodías, instrumentos y sonoridades que describen la personalidad única del latinoamericano. Cada país tiene canciones que representan su historia y su gente. LATINEANDO es la recopilación de varias de esas canciones que son parte de nuestra tradición.
Estos quince temas, grabados originalmente en 1997 y 1998, representaron un desafío musical enorme, especialmente por las maravillosas versiones que ya se han hecho de algunas de las piezas elegidas, y por nuestro deseo de contribuir al universo musical ofreciendo nuevos arreglos y, al mismo tiempo, conservando la esencia de las canciones.
El dilema era qué tanto podíamos y debíamos “respetar” las versiones originales sin contar con la instrumentación propia. También sabíamos que era imposible complacer a todos en sólo quince canciones. En el proceso de elaboración de este proyecto, descubrimos y aprendimos, entre otras cosas, la similitud del cuatro venezolano, el charango andino y el cavaquinho brasilero, similitud que no es casual y que comprueba, una vez más, una historia común que a pesar de las diferencias aparentes, revela que nuestra esencia latina es y será siempre la misma.
LATINEANDO es el crisol donde se funde la sangre de tres continentes, música de una triple herencia; es maracas, guitarra y tambor, paisajes que descienden desde los altos acantilados andinos hasta las rumorosas costas, melancolía y sentimiento de un pueblo que crece como árbol de una única madera: Latinoamérica"
ALBUM INFO
PRODUCIDO POR: HB Records. PRODUCCIÓN GENERAL Y EJECUTIVA: Huáscar Barradas. PRODUCCIÓN MUSICAL: Huáscar Barradas & Marcos Campos Salas, Elvis Martínez, Fernando Valladares. ARREGLOS: Huáscar Barradas y Maracaibo.
HUÁSCAR BARRADAS Y MARACAIBO SON: Huáscar Barradas, Elvis Martínez, Marcos Campos Salas, Gustavo Colina, Simón Bolívar, Fernando Valladares, Jorge Polanco.
MÚSICOS INVITADOS: María Teresa Chacín, Leo Quintero, Aura Marina Treviño, Germán Quintero, Leslie Pozo, Franklin Díaz, Edwin Pulgar, José Luis Gómez, Sergio Faccio, Marcos Liscano, Marcos Faccio.
Tracks
01- Gracias A La Vida (Violeta Parra)
02- Fina Estampa (Chabuca Granda)
03- Capullito De Alhelí (Rafael Hernández)
04- Amanecí En Tus Brazos (José Alfredo Jiménez)
05- De Repente (Aldemaro Romero)
06- Alfonsina y El Mar (Ariel Ramírez/Félix Luna)
07- Venezolanísimo:
- Caballo Viejo (Simón Díaz)
- Alma Llanera (Pedro E. Gutiérrez)
08- Tudo Brasil:
- Apanhei-Te Cavaquinho (Ernesto Nazaret)
- Desafinado (Antonio Carlos Jobim)
- Garota De Ipanema (Antonio Carlos Jobim)
09- Aires Porteños:
- Volver / El Día Que Me Quieras (Carlos Gardel)
10- Sabor Colombiano:
- El Testamento (Rafael Escalona)
- Matilde Lina (Leandro Díaz)
- Cumbia Sampuesana (Joaquín Betín)
11- Fantasía Del Altiplano
- El Humahuaqueño (Edmundo Saldívar)
- El Condor Pasa (Daniel Alomias Robles)
12- La Flor De La Canela (Chabuca Granda)
13- Lamento Borincano (Rafael Hernández)
14- Yo Vendo Unos Ojos Negros (Folklore Chileno)
15- Así Es Mi Tierra (Folklore Costarricense)
Musicians
Huáscar Barradas & Maracaibo
Flutes: Huáscar Barradas
Bass, Acoustic Bass & Guitar: Elvis Martínez
Keyboards, Programming, Clarinet
& Percussion: Marcos Campos Salas
Percussion: Simón Bolívar
Cuatro & Mandolin: Gustavo Colina
Keyboards, Percussion & Backing Vocals: Fernando Valladares
Un antiguo proverbio de la cultura callejera sostiene que “los viejos rumberos nunca mueren”. Y es un hecho que tal filosofía encierra mucha verdad cuando quien parte a “mejor vida” ha dejado una huella profunda durante su paso por este mundo. Pero, aun así, siempre resulta doloroso tener que echar de menos la presencia física de alguien a quien se ha querido y admirado. Como Ray Barretto, cultor notabilísimo en el campo del jazz e ícono en el universo salsero. Definitivamente, aquellos que adoramos esta expresión rítmica de fuerte raíz afroantillana estamos de luto.
Este aclamado músico era hijo de los aguadillanos Ramón Barreto y Gloria Pagán. Vio la primera luz en Brooklyn, Nueva York (EE.UU), el 29 de abril de 1929, habiendo sido bautizado con el nombre de Raymond Barreto Pagán. Poco después de que abriera sus ojos al mundo, sus padres se separaron. Su progenitor, quien jamás se acostumbró a la vida de la Gran Urbe, regresó a su pueblo. Acá formó una nueva familia y, durante años, mantuvo un pequeño laboratorio de fotografía frente a la Plaza de Recreo.
Su infancia transcurrió en el Barrio Latino – o Este de Harlem – y en el condado de Bronx. La circunstancia de quedar solo durante las noches mientras su madre trabajaba en una fábrica para procurar el sustento familiar lo indujo a buscar distracción en la radio. La música de jazz que escuchaba a través de este medio lo embrujó rápidamente. Así, pues, desde niño conoció las grabaciones de Duke Ellington, Count Basie, Benny Charlie Parker, el swing de Benny Goodman y muchos otros consagrados.
A la edad de 17 años, decidido a escapar de la pobreza del ghetto, se enlistó en el Ejército de Estados Unidos. Luego de recibir el entrenamiento básico, fue asignado a una base militar en Munich, Alemania. Ya para entonces conocía los rudimentos de la percusión tradicional cubana, mismos que había aprendido de manera autodidáctica, profundamente influenciado por la grabación del tema “Manteca”, de Dizzy Gillespie y su orquesta con el virtuoso conguero Luciano «Chano» Pozo. Durante aquella etapa como soldado, acostumbraba visitar los fines de semana el Orlando’s Jazz Club, donde se celebraban unas descargas (o “jam sessions”) que siempre describiría como “bravísimas”.
Tras su licenciamiento de las Fuerzas Armadas en 1949, Ray Barretto regresó al Barrio Latino determinado a pulirse como percusionista y a dedicarse por completo a la música. Su primer trabajo regular en su entonces incipiente carrera fue con Eddie Bonnemere & His Latin Jazz Combo (1950-1953). De aquella formación pasó a la más reconocida orquesta del pianista cubano José Curbelo, en la que permaneció los próximos cuatro años (1953-1957).
Su debut discográfico aconteció con el clásico “Dance Mania”, de Tito Puente, en 1957
Su nombre comenzó a cobrar trascendencia en el panorama de la música caribeña y del jazz afrocubano a partir de 1957 cuando Tito Puente lo reclamó para sustituir a Mongo Santamaría en su ya famosa organización. Fue poco después de su ingreso a esta banda que vivió la experiencia de grabar por primera vez. Su debut discográfico fue, nada más y nada menos, que con el álbum “Dance Mania” (RCA Victor, LP-1692), destinado a convertirse, no sólo el más exitoso en toda la discografía de «El Rey del Timbal», sino en uno de los más vendidos en la historia de la música popular latinoamericana, habiéndose reeditado en varias oportunidades.
Consecuencia de su brillante desempeño en tan histórica producción – realizada sólo en dos secciones de par de horas cada una, en diciembre de 1957 – fue que, de inmediato, se convirtiera en uno de los congueros más solicitados para sesiones de grabación, tanto en el ámbito rumbero como en el panorama jazzístico. A partir de entonces, alternó su trabajo con Puente colaborando en grabaciones de Cannonball Adderley, Gene Ammons, Art Blakey, Eddie «Lockjaw» Davis, Lou Donaldson, Red Garland, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Wes Montgomery, James Moody, Max Roach, Sonny Stitt, Cal Tjader y de todo aquel que brillaba en el mundillo musical hispano de la plaza neoyorquina.
La oportunidad de estrenarse como director de una orquesta propia se la brindó Orrin Keenpnews, ejecutivo de Riverside Records, en 1961. Éste se solicitó que organizara una charanga, pues entonces el cubano José Fajardo y Sus Estrellas comenzaban a dar candela en la Gran Urbe y, por otro lado, él ya era conciente de la excelencia de Barreto como percusionista. El resultado de aquel reclamo fue la creación de la Charanga Moderna cuyo debut discográfico se materializó vía “Pachanga With Barretto” (LP-1087). Ya bajo la etiqueta United Artists Latino, a tal producción le siguieron “¡Latino!” (LP-4053 / 1962); “Charanga Moderna” (LP-1087) y “On Fire Again” (LP-1096 / 1963); “Guajira y guaguancó” (TRSLP-1114 / 1964); “¡Viva Watusi!” (UAL-6445) y “El Rey Criollo” (LP-6543) – que generó el exitazo “El watusi”, número 20 en el escalafón de Billboard y lo hizo acreedor a su primer Disco de Oro – y “El Rey Criollo” (UAL-6543 / 1965). El cubano Willy García, esposo de La Lupe, era su cantante estelar.
En realidad, la Charanga Moderna de nuestro biografiado encajaba en el formato que en Cuba se denomina charangón, mismo que refuerza a la estructura tradicional a base de violines, flauta y sección rítmica con metales. En este caso, con la trompeta del virtuoso Alejandro «El Negro» Vivar y el saxofón tenor del no menos brillantísimo José «Chombo» Silva.
Con Adalberto Santiago formó un binomio de antología
Al vincularse a la entonces naciente compañía Fania Records 1966, Ray Barretto echó a un lado los violines y creó una pequeña orquesta, pero con un sonido poderoso. Entonces, el vocalista García cedió su posición al cialeño Adalberto Santiago. Junto a éste formaría uno de los binomios para extraordinarios en la historia de la salsa, mismo que permaneció inalterable durante seis años – hasta 1972 –, aunque luego ambos volverían a unirse en múltiples eventos especiales y en varias grabaciones. La filiación de aquel colectivo era de antología: Luis Cruz (pianista y arreglista); Roberto Rodríguez (primera trompeta); Joseph «Papy» Román (segunda trompeta) y, ocasionalmente, René López (tercera trompeta); Dave Pérez (bajista); Orestes Vilató (timbalero) y Johnny «Dandy» Rodríguez (bongosero).
A esta etapa pertenecen producciones que hoy son consideradas clásicas de este género: “Power” (LP-391); “Soul Drummer” (SLP-542) y “Alma alegre” (SLP-62723 / 1967); “Acid” (SLP-346 / 1968); “Hard Hands” (LP-362 / 1969); “Together” (SLP-378) – a juicio de muchos conocedores, el mejor que grabó con Santiago –, “The Message” (LP-00403 / 1971) y “Que viva la música” (SLP-00497 / 1972).
Luego de que dicho grupo se desintegrara debido a que la mayoría de los músicos siguieran a Santiago y Vilató para dar vida a la Típica ’73, Barretto procuró al riopedrense Tito Allen para proseguir su trayectoria frente a una nueva alineación. Fruto de tal iniciativa fue el sensacional disco “Indestructible” (SLP-00456), editado en 1973, del surgieron tres exitazos: “El hijo de Obatalá” (original de Tite Curet Alonso); “Llanto de cocodrilo” y el que le sirvió de título, originales del propio Barreto. El sentir del grueso de la masa salsómana coincide en que este trabajo, conjuntamente con “Together”, fue el que consagró a Ray Barretto como el indiscutido «Ray de las Manos Duras».
Aunque sin separarse del consorcio Fania – que lo había sembrado como pilar de su constelación de virtuosos Fania All Stars desde su surgimiento en 1968 –, en 1973 realizó otro trabajo para la etiqueta Fantasy Records que habría de convertirse en clásico: “Carnaval” (F-24713), donde aparece su jitazo “Cocinando suave”. Detalle sumamente curioso respecto a esta producción es el hecho de que, en la pieza “Descarga La Moderna” ejecuta un candente solo de timbales.
Sin embargo, el disco “Barreto” (XSLP-00486), con los vocalistas Tito Gómez y Rubén Blades, editado en 1975, superó en ventas a todos los anteriores. “Guararé”, encomendado al primero, constituyó el gran éxito del año. De paso, fue con este LP que Ray Barretto logró su primera nominación al premio Grammy. Ese mismo año – así como los dos siguientes (1976 y 1977) – la revista Latin New York lo galardonó como Mejor Conguero de la Salsa.
Aun así, para entonces este gran músico ya se sentía cansado de las incesantes amanecidas en salones de baile. Además, entendía que la salsa que los mandamases de Fania Records limitaban su creatividad y no le brindaban espacio para la experimentación. Así las cosas, luego de amenizar una función de Despedida de Año, dejó la agrupación a sus músicos, quienes la rebautizaron como Orquesta Guararé y continuaron trabajando con ella.
Su siguiente proyecto fue la organización de una banda orientada hacia el jazz fusión. Gracias a un acuerdo entre Fania y Atlantic Records, vio la luz el doble álbum “Barretto Live: Tomorrow” (SD-2-509), el cual recogía el repertorio que interpretara durante el concierto que ofreció en el Beacon Theater, de Nueva York, en mayo de 1976.
Tras los lanzamientos de “Todo se va a poder” (SLP-00505) y “Eye of the Beholder” (SD-19140) en 1977 y “Can You Feel It” (SD-19198) en 1978, se reencontró con Adalberto Santiago para volver a adentrarse en la onda rumbera con “Rican / Struction” (JM-552), en 1979. En sus próximos dos álbumes, “Giant Force” (JM-579) y “”Rhythm of Life” (JM-605), editados en 1980 y 1982, respectivamente, presentó como vocalista al talentoso Ray De la Paz.
“Ritmo en el corazón”, junto a Celia Cruz, lo hizo merecedor del Grammy en 1990-
A su venidero trabajó discográfico, “¡Tremendo trío!” (JM-623), la simpar Celia Cruz se unió al binomio Barreto-Santiago. Fue uno de los grandes aciertos salseros de 1983. Luego, teniendo como principal cantante a Ray Saba, produjo “Todo se va a poder” (JM-633) y “Aquí se puede” (JM-642), editados en 1983 y 1984, respectivamente. Después realizó otra grabación con Celia Cruz: “Ritmo en el corazón” (JM-651), lanzada a fines de 1988 y editada en el Reino Unidos y otras naciones europeas bajo la etiqueta Caliente Records. Esta joya de la salsa lo hizo acreedor al consagratorio premio Grammy en 1990. Mientras tanto, en 1989 tuvo una breve incursión en la denominada salsa monga con el disco “Irresistible” (JM-658), con Carlos Torres como vocalista líder. Muchos “salseros de la mata” siempre le resentirían aquel desatino.
De todas maneras, para festejar su larga e importantísima trayectoria en los campos del jazz y de la música afrocubana, junto a su cantante estelar Adalberto Santiago y el trompetista Juancito Torres como director musical, protagonizó el concierto “Las dos vidas de Ray Barretto” celebrado en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico, el 30 de agosto de 1990. El médico y empresario Fidel Estrada fue el organizador de aquel evento.
Aunque sin alejarse demasiado de la salsa, a partir de la pasada década se concentró en el jazz latino frente a su nuevo grupo, New World Spirit, frente a la que recorrió gran parte del mundo y legó grabaciones tan excelentes como “Handsprints” (Conconcor, CCD-4473 / 1991); “Ancestral Messages” (Concord, CCD-4549 / 1993); “Taboo” (Concord, CCD-4601 / 1994); “My Summertime” (EMI, TCLB-367302 / 1996); “Contact!” (Blue Note/EMI, CD-428524 / 1997); “Postraits in Jazz & Clave” (RCA, CD-276177 / 2000); “Homage to Art Blakey” (Sunny Side, SSCD-1105) y “Hot Hands” (Concord Picante, CPCD-498256), y, finalmente, “Time Was, Time Is”” (O Plus Music, CD-109), que estuvo nominado al Grammy este mismo año.
Hasta el final de su vida, Ray Barretto estuvo colmado de honores. Para su fortuna, vio materializado todos sus anhelos. Muy especialmente, presentarse ante sus coterráneos – solía identificarse como “aguadillano”, aunque jamás vivió en este municipio – en los escenarios más importantes. Su más reciente concierto aquí fue el titulado “El sueño del Rey”, celebrado en el Centro de Bellas Artes de San Juan, el 8 de septiembre de 2005. Durante este evento, presentó oficialmente, como nuevo miembro de su grupo New World Spirit, a su hijo Christopher, ejecutante del saxofón tenor y de 20 años de edad, fruto de su matrimonio con su hoy viuda, Annette «Brandy» Rivera.
La noche del sábado 14 de enero, en el Ballroom del New York Hilton, fue objeto del máximo galardón a que podría aspirar un jazzista: ser reconocido por la Asociación Internacional de Educadores de Jazz (AIEJ) con el título de Maestro del Jazz. Al regresar a su hogar, temprano en la madrugada, se dispuso a sacar con una pala la nieve que obstruía la entrada. De repente comenzó a sentir problemas cardíacos y respiratorios provocados por un fuerte ataque de asma. Su esposa lo trasladó de inmediato al Valley Hospital, en Ridgewood, Nueva Jersey. Allí permanecería internado tres semanas, durante las cuales el estado de su salud se complicó debido a un padecimiento renal y a una fuerte pulmonía. Por tanto, fue sometido a una operación a corazón abierto y a cuatro desvíos coronarios.
Su condición de salud mantuvo a la expectativa a la Prensa internacional-
Desafortunadamente, no hubo mejoría. El jueves 16 de febrero fue trasladado al Centro Médico de la Universidad de Hackensack, también en Nueva Jersey, donde se le practicaría una traqueotomía. Sin embargo, ya su organismo no soportaría una nueva intervención. En esta institución hospitalaria expiró a las 5:00 de la madrugada del viernes 17, faltándole dos meses y medio para cumplir 77 años de edad. Además de su esposa y el ya mencionado Christopher, le sobreviven otros tres hijos habidos en su primer matrimonio, más varios hermanos, algunos residentes en Aguadilla.
Es importante recalcar el dato de que la Prensa de toda América y Europa se encontraba a la expectativa en torno a la condición de salud del maestro Barretto. Incluso, temprano en la mañana de su deceso, se comunicaron a la sede de la Fundación Nacional para la Cultura Popular, en busca de reacciones al respecto y de anécdotas sobre su vida, los reporteros Norberto Vallejo – de la cadena colombiana Radio Caracol – y Carlos Pachinchi, de la revista peruana “DJ”, además de varios representantes de los medios nacionales.
Pasa por el título de corte y usted sabe que Carlos Santana se escucha. La facilidad de R & B-jazz latino shuffle en este Bobo original, con su mezcla de español e Inglés voz, es evidente la piedra de toque de cortes como "Evil Ways" de Santana en los dos primeros álbumes. ¡Qué vergüenza, entonces, que el resto del disco es principalmente compuesto de tapas de éxitos pop de la jornada como "It's Not Unusual" (una vocal y una versión instrumental) y "Nuestro día llegará". El jugador timbales y su banda establecer ranuras respetable, pero "Grease español" es el único original en el disco, y por mucho el número más gratificante. Grasa español se ha combinado con el 1966 LP Uno Dos Tres 1-2-3 en un CD reedición. ~ Richie Unterberger, All Music Guide Willie Bobo - Spanish Grease (1994) Temas: 01-Spanish Grease 02-Hurt So Bad 03-It's Not Unusual 04-Our Day Will Come 05-Haitian Lady 06-Blues in the Closet 07-Nessa 08-Elation 09-t's Not Unusual (Instrumental) 10-Shot Gun / Blind Man Musicos: Willie Bobo - Timbales, Vocal Melvin Lastie - Clarinet Bobby Brown - Alto Saxophone, Tenor Saxophone Clarence "Sonny" Henry - Guitar Richard Davis - Bass Jon Hart - Bass Jim Phillips - Bass Robert Rodriguez - Bass Osvaldo Martinez - Guiro Victor Pantoja - Congas, Percussion Carlos "Patato" Valdez - Congas Jose Manguel - Percussion
Grabado y lanzado en 1967, Bobo Motion es una de las grabaciones más conocidas percusionista Willie Bobo de la década de 1960. El álbum es más conocido por su versión de la pepita de Henry Sonny "Evil Ways", que Carlos Santana y su banda hicieron su propia un par de años más tarde, pero hay más que eso. Desde Bobo firmado con The Verve, en 1965, había sido la liberación de las mezclas en caliente astuto de canciones de América, y el alma de la interpretación de melodías de jazz pop del día. Sus cinco álbumes anteriores, para el sello había sido todas las variaciones sobre este tema. En las anteriores, más seguro y melodías pop fácil jugar con la mano de marcas de Bobo grooves de batería se impuso sobre el material original. De hecho, 1965 es Grease español y 1966, Uno, Dos, Tres 1-2-3 había ofrecido una melodía que cada uno contó con la cocina afro-cubana con sabor a los atascos que se había convertido conocidos, y el resto eran arreglos de jazz-soul de los estándares de América o "con él" melodías pop de la época (Afro-cubana versiones de los registros de órganos trío que Blue Note fue paleando por el camión en el momento). Bobo movimiento, sin embargo, es un animal diferente. Si bien no hay originales en el Keyes Bert / Sonny Henry-se organizó, los surcos son más estrechas y más sofisticados, y los tambores es la forma mezclada por encima de un combo pequeño acreditado jugando cuernos, bajo eléctrico, guitarra eléctrica y Henry. La selección de melodía es también raro, y refleja la variedad de gustos eclécticos Bobo ', y se vuelve más firme hacia el jazz (a diferencia de Juicy, de 1967, precursor de esta serie, que estaba embarazada de entrenamientos de accesos alma del día). Hay normas trad como "Tuxedo Junction", de Neal Hefti Swinging "Cute" - que era casi un conde Basie perennes de los 60 primeros - y un blues de fumar fuera de lectura de "Sonny Burke 'Negro Café". Eso no quiere decir que no hay canciones pop, Henry's "Evil Ways" características de Bobo menos de voz de la cadera, pero la melodía en sí es tan húmedo y extraño en sus articulaciones menores clave, y el surco es un monstruo, no asunto. Lo mismo ocurre con Arthur Sterling "no es cierto", que se convierte en un boogaloo Boxeador con el triple de tiempo congas, shaker calabaza, y timbales en la cima de un fluido groove guitarra eléctrica. La transformación de Joe Tex "Show Me", en una melodía de jazz latino es notable por decir lo menos - aunque mantiene su alma funky sienten (los cuernos son la línea de la melodía aquí, y Bobo juega todo a la creación de un monstruo Groove conguero). Bobo movimiento termina con un breve pero la versión de la quema de "La Bamba". Sus raíces tradicionales son todos los que se expone aquí como congas Bobo unidad de los ritmos en la sobremarcha. Olvídese de la versión pintoresca de Trini Lopez, éste lo recibe. Recomendado. ~ Thom Jurek, All Music Guide
Carlos Patato Valdés - Unico y Diferente (Cuba, 2001)
Considerado por algunos como el gran conguero cubano, Patato ha tocado con Dizzy Gillespie, Art Blakey, Tito Puente, Machito, Mario Bauza, Quincy Jones y muchos otros de salsa y jazz estrellas. El primer conguero a entonar su congas a una canción del acorde de dominante, la influencia de Patato se estimó en el jazz y la música latina escenas y también en el mundo del cine, donde dio a Brigitte Bardot el mambo una lección en Y Dios creó a la mujer. Un residente de Nueva York desde 1954, Patato del trabajo fue la más reciente recogida en seis grados "La leyenda de percusión cubana, que incluyó Omar Sosa, Juan Santiago, Changuito, Orestes Vilato y otros cubanos y africanos todas las estrellas, los artistas intérpretes o ejecutantes. ~ Heather Phares, All Music Guide
Llovió muchas veces en Alemania, como se dice en Patato s natal, antes de su disco Unico y Diferente (inicialmente registradas, muchas lunas atrás, para Messidor Musik) fue finalmente liberado por otro Teutonic etiqueta, Detlef Engeihard del conector Records. No obstante, teniendo en cuenta la admirable carácter de este período de sesiones, uno podría argumentar que ha valido la pena el largo período de espera. Patato la fuente de ritmo irriga todo el álbum, como se ilustra en particular a través de la expresión híbrida de la última pista, Mario Blues párr. Este pionero del blues-hijo revela el ancestral paso entre La Habana y Nueva Orleáns, al tiempo que ofrece una post-mortem homenaje a Mario Bauzá, cuyo final Messidor grabaciones incluyó una tumbadora cubana maliciosa rey llamado Carlos "Patato" Valdés. (LT)
Humberto Ramirez - Giovanni Hidalgo - Best Friends (Puerto Rico, 1999)
Jazz latino en general es de sangre caliente la música, sino un lugar tranquilo fuego se mantiene por la música del trompetista / flugelhornist Ramírez y el percusionista Hidalgo. No es que esta es la salsa de luz; ni mucho menos. La música de deportes una tempura de corteza como: aireado, simplemente melódico, y picante, pero no quema. El calor viene de Hidalgo en congas y timbales junto con la emocionante baterista Horacio "El Negro" Hernández, mientras que el pianista Papo Lucca y el bajista Oskar Cartaya Ramírez partido, paso a cambio de calma, paciente paso. Casi todos los bien establecidos Afro-Cuban/Puerto Rica ritmo se escucha durante los ocho cortes, cinco escrito por Ramírez. "San Juan Ritual" establece el pacto, no en tono amenazante mambo moda. Esta pieza y la facilidad de cha-cha-cha "Celebrando" reserva de espacio para Ramírez al comercio con los cuatro Hidalgo y Hernández cocina en timbales y tambores. "A Puerto Rico" usos estándar clave ritmo, más cercano a un latín 50/50 / mezcla de jazz, el trompetista del esfuerzo líneas reconociendo el ingenioso pianistics antes de Lucca Hernández roba el show con un increíble solo. "Herencia" y el título pista Ramírez alivia las tareas de escritura. El primero cuenta con el más caluroso montuno de piano en la fecha con otros clientes "mejores amigos" Tito Puente en timbales, y los padres de los dirigentes, "Pipo" Ramírez en una picante saxo tenor solista, y José "Manengue" en Hidalgo rasga conga tambores . "Best Friends" es aparentemente una DESCARGA entre los co-líderes, utilizando Ramírez dulce silenciado y no silenciado trompeta para informar a Hidalgo en diversas nociones de improvisación. Hidalgo escribió "Clean", una hermosa concebido, repite la secuencia de acordes de piano, pesados aún delicadamente equilibrado, basado en parte en la melodía de "Summertime". También escribieron "La Perla", un clásico de la rumba con más repetición en el piano de Lucca, lilting y trompeta. Una bomba o plena Afro-Rican motivo con toques de "El Cacahuate Vendor", establece con precisión montuno piano "Hasta DECIR No Mas," de nuevo con una sesión de percusión que es un hilo común para el final de la mayoría de los puentes en esas selecciones. Hay una coherencia de tempo escuchado en todo; hierve nada más, nada soppy se pone demasiado lenta, y nada es aburrido o abiertamente copped. Es como si la intención es a fuego lento y burbuja, una fascinante técnica que sirve a los participantes y el oyente. Una multa de liberación de estos músicos de expertos para el público en general latín-jazz público. Recomendado. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide
Temas:
01-San Juan Ritual
02-Celebrando
03-Hasta Decir No Mas
04-Puerto Rico
05-Clean
06-Herencia
07-Perla
08-Best Friends
Musicos:
Giovanni Hidalgo: Percussion, Arranger, Bongos, Conga, Timbales, Producer,
Ildefonso Sánchez, más conocido en el mundo del latin jazz por su sobrenombre, Poncho, es un extraordinario conguero y cantante nacido el 30 de octubre de 1951 en Laredo (Texas). Poncho era el menor de once hermanos, todos ellos muy musicales.
Será en el año 1983 cuando aparecerá en el mercado "Bien Sabroso", el disco que hemos decidido acercar hoy a nuestro tejado. "Bien Sabroso" es un excelente trabajo que sigue la linea trazada por "Sonando", incorporando una gran variedad de condimentos. El pianista, de nuevo Charlie Otwell, aporta dos preciosos temas, "Ahora" un alegre mambo en clave de bebop y Brisa, un delicado cha-cha-cha con suaves arreglos de flauta a cargo de Dick Mitchell. En "Keeper of the Flame", compuesto por Mark Levine, Sanchez nos vuelve a recordar el largo y precioso tiempo que pasó con Tjader mientras que "Nancy", otro de los temas que os queremos destacar de forma especial, es un preciosos y emotivo bolero con una suave y jazzera melodía de trompeta originalmente llamado "Cupido", escrito por Don García.
1. Ahora 2. Bien Sabroso 3. Nancy 4. Keeper Of The Flame 5. Brisa 6. Sin Timbal 7. Una Mas 8. Half And Half 9. Ican Ramon BandaTimbales Tony BandaBass, Timbales Phil EdwardsEngineer, Remixing Virginia EscalanteLiner Notes Dave FischerPhotography Dick HendlerArt Direction George HornMastering Steve HuffsteterFlugelhorn, Trumpet Carl JeffersonProducer Mark LevineTrombone, Trombone (Valve) Dick MitchellFlute, Sax (Tenor) Charlie OtwellPiano David RomeroBongos Poncho SanchezConga
Bobby Carcassés, el "Jazzman de Cuba" nos alegra la vida con un disco en vivo: "Bembedoble". Toda la fuerza musical de uno de los más importates exponentes del
género en Cuba se registra en este CD que además nos muestra la energía de un hombre que durante toda su vida se ha descubierto como el más versátil artista del
jazz cubano. Bobby nace en Jamaica, un 29 de Agosto de 1953 debido a que su abuelo era diplomático en aquel hermano país del Caribe. A los cuatro años regresa a
Cuba y en Villa Clara comienza a crecer rodeado de todas las influencias musicales de la isla. Pero si bien se alimentó de estas casi sin sospecharlo, sus
eclépticas referencias tambien provenían de Sarah Vaugahn, Stan Getz, Jorge Negrete o el mismísimo Enrico Carusso.
En los 50's Caracassés se muda a La Habana y comienza una carrera como instrumentista y vocal en la Orquesta de Tropicana donde incursiona en el Bebop y el Scat,
modalidades que lo marcan en lo largo de toda su carrera hasta nuestros días. Gracias a que la Orquesta de Tropicana en la época se convirtió en la referencia del
Jazz Cubano, Bobby logra en los años 60's residir en París, donde por primera vez comparte escenarios con artistas de la talla de Kenny Clarke y Bud Powell.
A su regreso a la Isla se involucra en la escena del Teatro Musical de La Habana con tres de los más importantes creadores del grupo Irakere: Chucho Valdés, Paquito
D'Rivera y Carlos Emilio Morales. Esto lo ayuda a darse a conocer en los Night Clubs de La Habana y también a formar su propio Ensemble de Jazz, además de realizar
una carrera como actor en la televisión cubana.
La increíble energía y versatilidad de este músico y productor, lo lleva a crear en el año 80, el que quizás sea uno de sus mayores aportes a la escena del Jazz Cub
ano: el Festival Jazz Plaza. Espacio donde desfilaron un sin número de artistas de la escena internacional que ávidos por conocer lo que se estaba gestando en Cuba
en materia de Jazz, visitaron la isla en más de una ocasión. En los festivales del Jazz Plaza se pudo ver a Dizzy Gillespie, Stan Getz, Weather Report, Ronnie Scott, Airto Moreira, Tania María, gato Barbieri, Roy Haregrove, Dave Valentin y hasta nuestros días a muchas estrellas más que compartieron con los grandes de la isla. Un verdadero acercamiento a través de este lenguaje universal. Desde ese momento Bobby y su grupo Afrojazz viajó alrededor del mundo donde pudo compartir su energía con grandes como Tito Puente y Eddie Palmieri.
De este Showman se conoce poco fuera y dentro de Cuba. Siempre fue uno de esos músicos que a través de sus iniciativas y su creatividad impulsó a más de una de las
jóvenes estrellas que hoy afloran en el universo cubano del latin jazz. Yasek Manzano, Nestor del Prado, Julio Padrón, Ariel Bringuez, en fin, muchas de las
promesas actuales comenzaron a su lado. De su grupo Afrojazz se conocen pocas grabaciones, y sé que Bobby compartió con Emiliano Salvador en sus más importantes
fonogramas y también dejó más de una composición en el camino de los clásicos cubanos del jazz. "Bembedoble" viene a ser un legado de esta figura en su más alta
expresión con la espontaneidad que le caracteriza en el escenario. Desde el primer tema "Cosmosfera" encontraremos a un Bobby que se sale del molde y eso desde el
inicio es algo que siempre ha marcado su carrera, un intro con aires de experimentación sonora desde el piano hasta la flauta que da paso a "Luna Wanestain", un
clásico que ya habremos escuchado en "Nueva Visión" de Emiliano Salvador pero que en la voz y los arreglos de Bobby adquiere una nueva dimensión arraigada en el
Jazz Timbero que lo apasiona. Desde ahí oíremos un disco que nos sorprenderá en cada paso. "Tonada a Santa Clara" un homenaje querido a la tierra que lo crió, un
son montuno de sabrosura cubana, compuesto y ejecutado para bailar de lo lindo, lo mismo que "Bembedoble", tema que da nombre al disco. Sus aptitudes armónicas
quedarán demostradas en temas como "El Ruiseñor" y "Mi Mejor Canción" donde Bobby nos canta con todos los registros que es capáz de alcanzar a través de la voz y la
improvisación vocal, esta última demostrada en "Alma Llanera" donde a capella y con su ingenio nos demuestra porqué es el más importante exponente de esta
modalidad en Cuba. En cambio "Rocamblu" es quizás su retroalimentación con muchos de los jóvenes músicos que le acompañan, desde Roberto Carcassés (su hijo) hasta
el vocalista Francis del Río, pasando por Julito Padrón quien nos regala más de un sólo memorable. Por último su alcance universal se ve reflejado en un tema como
"Mack The Knife" (Macky el Iwayó para Bobby), una adaptación del tema de Kurt Weill, escrito para la Ópera "Los Tres Centavos".
Temas:
1. Cosmosfera
2. Luna Wanestain
3. Tonada a Santa Clara
4. El Ruiseñor
5. Rocamblu
6. El Diablo y su Cuento
7. Alma Llanera
8. Mi Mejor Canción
9. De mi Tierra Son
10. A Zoraida
11. Intro a Bembedoble
12. Bembedoble
13. Mack the Knife (Macky el Iwayo)
Músicos:
Bobby Carcassés (voz, flugelhorn, quinto en 12, Recorder, Piano en 8)
Roberto Carcassés (piano en todos los temas excepto 8 y 10, coros)
Néstor del Prado (bajo en todos los temas excepto en 11 y 12)
Rafael Paseiro (bajo en 11 y 12)
Dayramir González (piano en 8 y 10, coros)
Orestes Valido (saxo barítono)
Ruy Adrián López-Nussa (batería)
Edgar Martínez (tumbadoras y congas)
Julio Padrón (trompeta en 2, 3, 4, 9 y 13, voz en 2, coros)
