However fans choose to label Incognito's sound in the post-acid jazz world of 2008, it was clear that wherever the group performs, its feisty mix of retro soul, brass, funk, and jazz truly lived up to the title of 2004's Narada Jazz disc Adventures in Black Sunshine. Founder Jean-Paul "Bluey" Maunick and his often rotating "collective" group averaged an incredible six months a year on the road, wowing crowds throughout Europe and Asia, where they're biggest in Japan and Indonesia. Incognito's uniquely funky, retro soul sound is so urban that it may have at first seemed odd to call their equally infectious, constantly grooving Heads Up debut Tales from the Beach -- 'til we realize that the beaches Maunick is referring to are those on his native island of Mauritius (off the coast of Madagascar). That's where he got wind of hotel bands and others playing around bonfires and cookouts; the loose, happy flow of Incognito's bouncy, horn inflected tunes here completely reflects that wistful reference. While Maunick's crisp, jangling guitar work, Francis Hylton's bubbling bass, and those old-school soul atmospheres and horns inhabit every melody and groove, these tales are told by a … » Read more
Tracks
1Step AsideHylton, Maunick5:58
2I've Been WaitingGrey, Maunick4:28
3When the Sun Comes DownBull, Maunick4:46
4Love Joy UnderstandingCooper, Maunick6:44
5I Come Alive (Rimshots and Basses)Cooper, Maunick3:54
6Happy PeopleHylton, Maunick4:16
7N.O.T.Cooper, Maunick6:10
8Freedom to LoveMaunick, Oakenfull6:45
9I Remember a TimeCooper, Maunick5:29
10It May Rain SometimeMaunick2:06
11Never Look BackBull, Maunick6:44
12When Words Are Just WordsBull, Harvey, Maunick6:12
13Feel the PressureMaunick, Oakenfull4:46
14Silence of My MindBull, Maunick3:54
15Tales from the BeachCrampton, Maunick, Momrelle1:42
Richard BaileyConga, Drums, Percussion, Shaker, Timbales
Richard BullAudio Production, Bass, Composer, Drums, Engineer, Percussion, Piano, Piano (Electric), Producer
Born in Sydney Australia, Tal has now resided in the US for over 5 years. She originally set foot on American soil as a guitar player, and less than four years ago, she started playing the bass guitar. Instantly, she was offered an endorsement with Sadowsky guitars, and since then, has played bass behind Jeff Beck, Chick Corea, Hiram Bullock, Vinnie Colaiuta, the Allman Brothers Band, Wayne Krantz, Kenwood Dennard, Geoffrey Keezer, Russell Ferrante, Jeff "Tain" Watts, Eric Krazno, Susan Tedeschi, and John Beasley. in May 2006, Tal recorded her first album, where she composed, arranged, produced and played bass on 7 intricate tracks with Wayne Krantz on guitar, Keith Carlock on drums, Geoffrey Keezer on Piano, and Seamus Blake on tenor sax. Later in 2006, Tal also worked with Rickey Minor on a few projects in Los Angeles, and did a clinic at bass day alongside Marcus Miller, Stanley Clarke and Victor Wooten. In 2007, Tal went to Australia to play a series of gigs with Chick Corea (with Frank Gambale on guitar and Antonio Sanchez on drums), released her debut album "Transformation", and toured with Jeff Beck, with Vinnie Colaiuta on drums, and Jason Rebello on keyboard.
Tracks;
01 - BC
02 - Cosmic Joke
03 - Truth Be Told
04 - Seredipity
05 - The River Of Life
06 - Oatmeal Bandage
07 - Table For One
Born in Sydney Australia, Tal has now lived in the US for over 5 years. She originally set foot on American soil as a guitar player, and four years ago, she started playing the bass guitar. Instantly, she was offered an endorsement with SADOWSKY guitars, and since then, she has played bass behind CHICK COREA, JEFF BECK, HIRAM BULLOCK, THE ALLMAN BROTHERS BAND, VINNIE COLAIUTA, WAYNE KRANTZ, RUSSELL FERRANTE, FRANK GAMBALE, KENWOOD DENNARD, GEOFFREY KEEZER, JEFF "TAIN" WATTS, ERIC KRAZNO, OTEIL BURBRIDGE, SUSAN TEDESCHI, DAVE KIKOSKI, JOHN BEASLEY, and worked on various projects with RICKEY MINOR.
In 2006, Tal recorded her first album, TRANSFORMATION; where she composed, arranged, produced and played bass on 7 intricate tracks with WAYNE KRANTZ on guitar, KEITH CARLOCK on drums, GEOFFREY KEEZER on Piano, and SEAMUS BLAKE on tenor sax. Later that year, she did a clinic at Bass day. Other clinicians included MARCUS MILLER, STANLEY CLARKE and VICTOR WOOTEN.
In 2007, Tal performed with CHICK COREA in Australia, including FRANK GAMBALE on guitar and ANTONIO SANCHEZ on drums. She also performed with the JEFF BECK group, touring around Europe and ending with Eric Claptons Crossraods festival, with VINNIE COLAIUTA on drums and JASON REBELLO on keyboard.
Un antiguo proverbio de la cultura callejera sostiene que “los viejos rumberos nunca mueren”. Y es un hecho que tal filosofía encierra mucha verdad cuando quien parte a “mejor vida” ha dejado una huella profunda durante su paso por este mundo. Pero, aun así, siempre resulta doloroso tener que echar de menos la presencia física de alguien a quien se ha querido y admirado. Como Ray Barretto, cultor notabilísimo en el campo del jazz e ícono en el universo salsero. Definitivamente, aquellos que adoramos esta expresión rítmica de fuerte raíz afroantillana estamos de luto.
Este aclamado músico era hijo de los aguadillanos Ramón Barreto y Gloria Pagán. Vio la primera luz en Brooklyn, Nueva York (EE.UU), el 29 de abril de 1929, habiendo sido bautizado con el nombre de Raymond Barreto Pagán. Poco después de que abriera sus ojos al mundo, sus padres se separaron. Su progenitor, quien jamás se acostumbró a la vida de la Gran Urbe, regresó a su pueblo. Acá formó una nueva familia y, durante años, mantuvo un pequeño laboratorio de fotografía frente a la Plaza de Recreo.
Su infancia transcurrió en el Barrio Latino – o Este de Harlem – y en el condado de Bronx. La circunstancia de quedar solo durante las noches mientras su madre trabajaba en una fábrica para procurar el sustento familiar lo indujo a buscar distracción en la radio. La música de jazz que escuchaba a través de este medio lo embrujó rápidamente. Así, pues, desde niño conoció las grabaciones de Duke Ellington, Count Basie, Benny Charlie Parker, el swing de Benny Goodman y muchos otros consagrados.
A la edad de 17 años, decidido a escapar de la pobreza del ghetto, se enlistó en el Ejército de Estados Unidos. Luego de recibir el entrenamiento básico, fue asignado a una base militar en Munich, Alemania. Ya para entonces conocía los rudimentos de la percusión tradicional cubana, mismos que había aprendido de manera autodidáctica, profundamente influenciado por la grabación del tema “Manteca”, de Dizzy Gillespie y su orquesta con el virtuoso conguero Luciano «Chano» Pozo. Durante aquella etapa como soldado, acostumbraba visitar los fines de semana el Orlando’s Jazz Club, donde se celebraban unas descargas (o “jam sessions”) que siempre describiría como “bravísimas”.
Tras su licenciamiento de las Fuerzas Armadas en 1949, Ray Barretto regresó al Barrio Latino determinado a pulirse como percusionista y a dedicarse por completo a la música. Su primer trabajo regular en su entonces incipiente carrera fue con Eddie Bonnemere & His Latin Jazz Combo (1950-1953). De aquella formación pasó a la más reconocida orquesta del pianista cubano José Curbelo, en la que permaneció los próximos cuatro años (1953-1957).
Su debut discográfico aconteció con el clásico “Dance Mania”, de Tito Puente, en 1957
Su nombre comenzó a cobrar trascendencia en el panorama de la música caribeña y del jazz afrocubano a partir de 1957 cuando Tito Puente lo reclamó para sustituir a Mongo Santamaría en su ya famosa organización. Fue poco después de su ingreso a esta banda que vivió la experiencia de grabar por primera vez. Su debut discográfico fue, nada más y nada menos, que con el álbum “Dance Mania” (RCA Victor, LP-1692), destinado a convertirse, no sólo el más exitoso en toda la discografía de «El Rey del Timbal», sino en uno de los más vendidos en la historia de la música popular latinoamericana, habiéndose reeditado en varias oportunidades.
Consecuencia de su brillante desempeño en tan histórica producción – realizada sólo en dos secciones de par de horas cada una, en diciembre de 1957 – fue que, de inmediato, se convirtiera en uno de los congueros más solicitados para sesiones de grabación, tanto en el ámbito rumbero como en el panorama jazzístico. A partir de entonces, alternó su trabajo con Puente colaborando en grabaciones de Cannonball Adderley, Gene Ammons, Art Blakey, Eddie «Lockjaw» Davis, Lou Donaldson, Red Garland, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Wes Montgomery, James Moody, Max Roach, Sonny Stitt, Cal Tjader y de todo aquel que brillaba en el mundillo musical hispano de la plaza neoyorquina.
La oportunidad de estrenarse como director de una orquesta propia se la brindó Orrin Keenpnews, ejecutivo de Riverside Records, en 1961. Éste se solicitó que organizara una charanga, pues entonces el cubano José Fajardo y Sus Estrellas comenzaban a dar candela en la Gran Urbe y, por otro lado, él ya era conciente de la excelencia de Barreto como percusionista. El resultado de aquel reclamo fue la creación de la Charanga Moderna cuyo debut discográfico se materializó vía “Pachanga With Barretto” (LP-1087). Ya bajo la etiqueta United Artists Latino, a tal producción le siguieron “¡Latino!” (LP-4053 / 1962); “Charanga Moderna” (LP-1087) y “On Fire Again” (LP-1096 / 1963); “Guajira y guaguancó” (TRSLP-1114 / 1964); “¡Viva Watusi!” (UAL-6445) y “El Rey Criollo” (LP-6543) – que generó el exitazo “El watusi”, número 20 en el escalafón de Billboard y lo hizo acreedor a su primer Disco de Oro – y “El Rey Criollo” (UAL-6543 / 1965). El cubano Willy García, esposo de La Lupe, era su cantante estelar.
En realidad, la Charanga Moderna de nuestro biografiado encajaba en el formato que en Cuba se denomina charangón, mismo que refuerza a la estructura tradicional a base de violines, flauta y sección rítmica con metales. En este caso, con la trompeta del virtuoso Alejandro «El Negro» Vivar y el saxofón tenor del no menos brillantísimo José «Chombo» Silva.
Con Adalberto Santiago formó un binomio de antología
Al vincularse a la entonces naciente compañía Fania Records 1966, Ray Barretto echó a un lado los violines y creó una pequeña orquesta, pero con un sonido poderoso. Entonces, el vocalista García cedió su posición al cialeño Adalberto Santiago. Junto a éste formaría uno de los binomios para extraordinarios en la historia de la salsa, mismo que permaneció inalterable durante seis años – hasta 1972 –, aunque luego ambos volverían a unirse en múltiples eventos especiales y en varias grabaciones. La filiación de aquel colectivo era de antología: Luis Cruz (pianista y arreglista); Roberto Rodríguez (primera trompeta); Joseph «Papy» Román (segunda trompeta) y, ocasionalmente, René López (tercera trompeta); Dave Pérez (bajista); Orestes Vilató (timbalero) y Johnny «Dandy» Rodríguez (bongosero).
A esta etapa pertenecen producciones que hoy son consideradas clásicas de este género: “Power” (LP-391); “Soul Drummer” (SLP-542) y “Alma alegre” (SLP-62723 / 1967); “Acid” (SLP-346 / 1968); “Hard Hands” (LP-362 / 1969); “Together” (SLP-378) – a juicio de muchos conocedores, el mejor que grabó con Santiago –, “The Message” (LP-00403 / 1971) y “Que viva la música” (SLP-00497 / 1972).
Luego de que dicho grupo se desintegrara debido a que la mayoría de los músicos siguieran a Santiago y Vilató para dar vida a la Típica ’73, Barretto procuró al riopedrense Tito Allen para proseguir su trayectoria frente a una nueva alineación. Fruto de tal iniciativa fue el sensacional disco “Indestructible” (SLP-00456), editado en 1973, del surgieron tres exitazos: “El hijo de Obatalá” (original de Tite Curet Alonso); “Llanto de cocodrilo” y el que le sirvió de título, originales del propio Barreto. El sentir del grueso de la masa salsómana coincide en que este trabajo, conjuntamente con “Together”, fue el que consagró a Ray Barretto como el indiscutido «Ray de las Manos Duras».
Aunque sin separarse del consorcio Fania – que lo había sembrado como pilar de su constelación de virtuosos Fania All Stars desde su surgimiento en 1968 –, en 1973 realizó otro trabajo para la etiqueta Fantasy Records que habría de convertirse en clásico: “Carnaval” (F-24713), donde aparece su jitazo “Cocinando suave”. Detalle sumamente curioso respecto a esta producción es el hecho de que, en la pieza “Descarga La Moderna” ejecuta un candente solo de timbales.
Sin embargo, el disco “Barreto” (XSLP-00486), con los vocalistas Tito Gómez y Rubén Blades, editado en 1975, superó en ventas a todos los anteriores. “Guararé”, encomendado al primero, constituyó el gran éxito del año. De paso, fue con este LP que Ray Barretto logró su primera nominación al premio Grammy. Ese mismo año – así como los dos siguientes (1976 y 1977) – la revista Latin New York lo galardonó como Mejor Conguero de la Salsa.
Aun así, para entonces este gran músico ya se sentía cansado de las incesantes amanecidas en salones de baile. Además, entendía que la salsa que los mandamases de Fania Records limitaban su creatividad y no le brindaban espacio para la experimentación. Así las cosas, luego de amenizar una función de Despedida de Año, dejó la agrupación a sus músicos, quienes la rebautizaron como Orquesta Guararé y continuaron trabajando con ella.
Su siguiente proyecto fue la organización de una banda orientada hacia el jazz fusión. Gracias a un acuerdo entre Fania y Atlantic Records, vio la luz el doble álbum “Barretto Live: Tomorrow” (SD-2-509), el cual recogía el repertorio que interpretara durante el concierto que ofreció en el Beacon Theater, de Nueva York, en mayo de 1976.
Tras los lanzamientos de “Todo se va a poder” (SLP-00505) y “Eye of the Beholder” (SD-19140) en 1977 y “Can You Feel It” (SD-19198) en 1978, se reencontró con Adalberto Santiago para volver a adentrarse en la onda rumbera con “Rican / Struction” (JM-552), en 1979. En sus próximos dos álbumes, “Giant Force” (JM-579) y “”Rhythm of Life” (JM-605), editados en 1980 y 1982, respectivamente, presentó como vocalista al talentoso Ray De la Paz.
“Ritmo en el corazón”, junto a Celia Cruz, lo hizo merecedor del Grammy en 1990-
A su venidero trabajó discográfico, “¡Tremendo trío!” (JM-623), la simpar Celia Cruz se unió al binomio Barreto-Santiago. Fue uno de los grandes aciertos salseros de 1983. Luego, teniendo como principal cantante a Ray Saba, produjo “Todo se va a poder” (JM-633) y “Aquí se puede” (JM-642), editados en 1983 y 1984, respectivamente. Después realizó otra grabación con Celia Cruz: “Ritmo en el corazón” (JM-651), lanzada a fines de 1988 y editada en el Reino Unidos y otras naciones europeas bajo la etiqueta Caliente Records. Esta joya de la salsa lo hizo acreedor al consagratorio premio Grammy en 1990. Mientras tanto, en 1989 tuvo una breve incursión en la denominada salsa monga con el disco “Irresistible” (JM-658), con Carlos Torres como vocalista líder. Muchos “salseros de la mata” siempre le resentirían aquel desatino.
De todas maneras, para festejar su larga e importantísima trayectoria en los campos del jazz y de la música afrocubana, junto a su cantante estelar Adalberto Santiago y el trompetista Juancito Torres como director musical, protagonizó el concierto “Las dos vidas de Ray Barretto” celebrado en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico, el 30 de agosto de 1990. El médico y empresario Fidel Estrada fue el organizador de aquel evento.
Aunque sin alejarse demasiado de la salsa, a partir de la pasada década se concentró en el jazz latino frente a su nuevo grupo, New World Spirit, frente a la que recorrió gran parte del mundo y legó grabaciones tan excelentes como “Handsprints” (Conconcor, CCD-4473 / 1991); “Ancestral Messages” (Concord, CCD-4549 / 1993); “Taboo” (Concord, CCD-4601 / 1994); “My Summertime” (EMI, TCLB-367302 / 1996); “Contact!” (Blue Note/EMI, CD-428524 / 1997); “Postraits in Jazz & Clave” (RCA, CD-276177 / 2000); “Homage to Art Blakey” (Sunny Side, SSCD-1105) y “Hot Hands” (Concord Picante, CPCD-498256), y, finalmente, “Time Was, Time Is”” (O Plus Music, CD-109), que estuvo nominado al Grammy este mismo año.
Hasta el final de su vida, Ray Barretto estuvo colmado de honores. Para su fortuna, vio materializado todos sus anhelos. Muy especialmente, presentarse ante sus coterráneos – solía identificarse como “aguadillano”, aunque jamás vivió en este municipio – en los escenarios más importantes. Su más reciente concierto aquí fue el titulado “El sueño del Rey”, celebrado en el Centro de Bellas Artes de San Juan, el 8 de septiembre de 2005. Durante este evento, presentó oficialmente, como nuevo miembro de su grupo New World Spirit, a su hijo Christopher, ejecutante del saxofón tenor y de 20 años de edad, fruto de su matrimonio con su hoy viuda, Annette «Brandy» Rivera.
La noche del sábado 14 de enero, en el Ballroom del New York Hilton, fue objeto del máximo galardón a que podría aspirar un jazzista: ser reconocido por la Asociación Internacional de Educadores de Jazz (AIEJ) con el título de Maestro del Jazz. Al regresar a su hogar, temprano en la madrugada, se dispuso a sacar con una pala la nieve que obstruía la entrada. De repente comenzó a sentir problemas cardíacos y respiratorios provocados por un fuerte ataque de asma. Su esposa lo trasladó de inmediato al Valley Hospital, en Ridgewood, Nueva Jersey. Allí permanecería internado tres semanas, durante las cuales el estado de su salud se complicó debido a un padecimiento renal y a una fuerte pulmonía. Por tanto, fue sometido a una operación a corazón abierto y a cuatro desvíos coronarios.
Su condición de salud mantuvo a la expectativa a la Prensa internacional-
Desafortunadamente, no hubo mejoría. El jueves 16 de febrero fue trasladado al Centro Médico de la Universidad de Hackensack, también en Nueva Jersey, donde se le practicaría una traqueotomía. Sin embargo, ya su organismo no soportaría una nueva intervención. En esta institución hospitalaria expiró a las 5:00 de la madrugada del viernes 17, faltándole dos meses y medio para cumplir 77 años de edad. Además de su esposa y el ya mencionado Christopher, le sobreviven otros tres hijos habidos en su primer matrimonio, más varios hermanos, algunos residentes en Aguadilla.
Es importante recalcar el dato de que la Prensa de toda América y Europa se encontraba a la expectativa en torno a la condición de salud del maestro Barretto. Incluso, temprano en la mañana de su deceso, se comunicaron a la sede de la Fundación Nacional para la Cultura Popular, en busca de reacciones al respecto y de anécdotas sobre su vida, los reporteros Norberto Vallejo – de la cadena colombiana Radio Caracol – y Carlos Pachinchi, de la revista peruana “DJ”, además de varios representantes de los medios nacionales.
Pasa por el título de corte y usted sabe que Carlos Santana se escucha. La facilidad de R & B-jazz latino shuffle en este Bobo original, con su mezcla de español e Inglés voz, es evidente la piedra de toque de cortes como "Evil Ways" de Santana en los dos primeros álbumes. ¡Qué vergüenza, entonces, que el resto del disco es principalmente compuesto de tapas de éxitos pop de la jornada como "It's Not Unusual" (una vocal y una versión instrumental) y "Nuestro día llegará". El jugador timbales y su banda establecer ranuras respetable, pero "Grease español" es el único original en el disco, y por mucho el número más gratificante. Grasa español se ha combinado con el 1966 LP Uno Dos Tres 1-2-3 en un CD reedición. ~ Richie Unterberger, All Music Guide Willie Bobo - Spanish Grease (1994) Temas: 01-Spanish Grease 02-Hurt So Bad 03-It's Not Unusual 04-Our Day Will Come 05-Haitian Lady 06-Blues in the Closet 07-Nessa 08-Elation 09-t's Not Unusual (Instrumental) 10-Shot Gun / Blind Man Musicos: Willie Bobo - Timbales, Vocal Melvin Lastie - Clarinet Bobby Brown - Alto Saxophone, Tenor Saxophone Clarence "Sonny" Henry - Guitar Richard Davis - Bass Jon Hart - Bass Jim Phillips - Bass Robert Rodriguez - Bass Osvaldo Martinez - Guiro Victor Pantoja - Congas, Percussion Carlos "Patato" Valdez - Congas Jose Manguel - Percussion
Grabado y lanzado en 1967, Bobo Motion es una de las grabaciones más conocidas percusionista Willie Bobo de la década de 1960. El álbum es más conocido por su versión de la pepita de Henry Sonny "Evil Ways", que Carlos Santana y su banda hicieron su propia un par de años más tarde, pero hay más que eso. Desde Bobo firmado con The Verve, en 1965, había sido la liberación de las mezclas en caliente astuto de canciones de América, y el alma de la interpretación de melodías de jazz pop del día. Sus cinco álbumes anteriores, para el sello había sido todas las variaciones sobre este tema. En las anteriores, más seguro y melodías pop fácil jugar con la mano de marcas de Bobo grooves de batería se impuso sobre el material original. De hecho, 1965 es Grease español y 1966, Uno, Dos, Tres 1-2-3 había ofrecido una melodía que cada uno contó con la cocina afro-cubana con sabor a los atascos que se había convertido conocidos, y el resto eran arreglos de jazz-soul de los estándares de América o "con él" melodías pop de la época (Afro-cubana versiones de los registros de órganos trío que Blue Note fue paleando por el camión en el momento). Bobo movimiento, sin embargo, es un animal diferente. Si bien no hay originales en el Keyes Bert / Sonny Henry-se organizó, los surcos son más estrechas y más sofisticados, y los tambores es la forma mezclada por encima de un combo pequeño acreditado jugando cuernos, bajo eléctrico, guitarra eléctrica y Henry. La selección de melodía es también raro, y refleja la variedad de gustos eclécticos Bobo ', y se vuelve más firme hacia el jazz (a diferencia de Juicy, de 1967, precursor de esta serie, que estaba embarazada de entrenamientos de accesos alma del día). Hay normas trad como "Tuxedo Junction", de Neal Hefti Swinging "Cute" - que era casi un conde Basie perennes de los 60 primeros - y un blues de fumar fuera de lectura de "Sonny Burke 'Negro Café". Eso no quiere decir que no hay canciones pop, Henry's "Evil Ways" características de Bobo menos de voz de la cadera, pero la melodía en sí es tan húmedo y extraño en sus articulaciones menores clave, y el surco es un monstruo, no asunto. Lo mismo ocurre con Arthur Sterling "no es cierto", que se convierte en un boogaloo Boxeador con el triple de tiempo congas, shaker calabaza, y timbales en la cima de un fluido groove guitarra eléctrica. La transformación de Joe Tex "Show Me", en una melodía de jazz latino es notable por decir lo menos - aunque mantiene su alma funky sienten (los cuernos son la línea de la melodía aquí, y Bobo juega todo a la creación de un monstruo Groove conguero). Bobo movimiento termina con un breve pero la versión de la quema de "La Bamba". Sus raíces tradicionales son todos los que se expone aquí como congas Bobo unidad de los ritmos en la sobremarcha. Olvídese de la versión pintoresca de Trini Lopez, éste lo recibe. Recomendado. ~ Thom Jurek, All Music Guide
